Rembrandt

Rembrandt Harmens van Rijn é um ícone da arte.

E um claro exemplo dos dramas que se abatem sobre certas personalidades criativas na história da pintura.

Nasceu em Leiden (Holanda) em 16 de julho de 1606.

Nos 40 anos seguintes, vive uma prosperidade abundante, enriquece e torna-se um dos mais conhecidos e aclamados pintores da burguesia holandesa.

Após a década de 1640, ao invés de belos e enaltecedores, seus quadros se tornavam mais expressivos e reveladores. E as pessoas não gostavam de serem retratadas de maneira fiel e verdadeira. As dívidas se acumulam até ao ponto de morrer miserável, em 4 de outubro de 1669.

Saskia van Uylenburch, sua primeira esposa, com quem tem uma relação extremamente afetuosa - retratada em muitas de suas pinturas - falece aos 30 anos, em 1642.

Rembrandt liga-se à primeira governanta de seu filho Titus, Geertghe Dircx. Esta união terminará com o internamento de Geergthe em um hospício, segundo consta pela afeição que Rembrandt dedicará à nova e jovem governanta de Tito, Hendrickje Stoffels.

Hendrickje será a companheira de sua vida. Com ela, entretanto, o artista vive sob constante reprovação social e religiosa, o que, em parte, é uma das causas para a diminuição progressiva das encomendas, até o artista declarar falência em 1653.

Uma cláusula do testamento de Saskia impedia que Rembrandt se casasse novamente, sob pena de perder os bens deixados pela primeira esposa. Em 1663 morre Hendrickje. Em 1668, seu filho Tito. Um de seus últimos quadros retrata seu quarto miserável, com uma cama e uma cadeira quebrada.

As duas fases da produção artística

É comum, entre os historiadores da arte, dividir a produção artística de Rembrandt em duas fases principais. O ano divisor de águas é 1642, ano em que morre Saskia, e em que Rembrandt pinta seu célebre Ronda Noturna.

No primeiro período, o artista faz parte de um movimento cultural denominado "Peinture Savante", constituída por uma elite culta, de admiradores da Itália. Seu mestre, Pieter Lastman, é seguidor de Caravaggio, tendo estudado por dez anos em Roma. Neste período, a pintura de Rembrandt é dominada pelos tons luminosos em contrastes dramáticos. Seus temas são bíblicos e mitológicos. O acabamento é cuidadoso, com técnica refinada. Os grupos de figuras são construídos segundo o receituário barroco, com gestos dramáticos e expressivos, de ação intensa.

A partir da década de 1640, entretanto, Rembrandt altera seu estilo. Acentua o uso da monocromia em tons dourados, fundada no jogo de claro-escuro, influência de Caravaggio. Abandona certas características grandiloqüentes do barroco, para adotar uma composição simplificada, com um clima silencioso e solene. Ao invés do gesto dramático, em situações de grande ação, suas personagens são pensativas, absortas no próprio universo interior. Rembrandt cria o que alguns historiadores chamam de pesquisa psicológica.

A luz torna-se então um elemento fundamental em sua arte. Nesta segunda fase, a luminosidade não apenas reestrutura a composição de suas pinturas como, também, ilumina os recônditos da alma humana. Como disse o crítico literário Harold Bloom acerca de Shakespeare, Rembrandt recria o ser humano, revelando os desdobramentos do ser, as sutis gradações da sua emoção e do seus sentimentos.

São três os temas mais comuns na obra do pintor: a temática sacra, os retratos grupais e os auto-retratos.

A temática sacra é uma constante durante toda a sua vida produtiva. Rembrandt apresenta as cenas bíblicas com extrema sensibilidade e profundidade espiritual. Quadros como O retorno do filho pródigo ou Jacó abençoa os filhos de José têm uma doçura despojada e uma grandiosidade serena incomparáveis na história da arte. São comoventes e, mesmo os que não conhecem os detalhes das estórias bíblicas, são tocados pela profunda humanidade destas pinturas.

Os retratos grupais eram uma coqueluche da Holanda da época. Muitas corporações e guildas contratavam pintores para as imortalizar através de um retrato coletivo. Outros pintores holandeses, como Franz Hals (1581/5-1666) por exemplo, também foram muito requisitados neste tipo de encomenda.

Rembrandt pintou vários destes retratos sendo que os dois mais famosos talvez sejam a Aula de anatomia do Dr. Tulp e a Ronda Noturna. Nestes dois quadros de sua primeira fase, o artista anima a composição com uma grande variedade de gestos e expressões dos personagens, bem ao gosto do Barroco.

Rembrandt pintou mais de cem auto-retratos durante 40 anos. São leituras psicológicas de si mesmo, só comparáveis ao que Vincent van Gogh - outro holandês - realizou no século XIX. Desde os primeiros anos felizes até a miséria do final da vida, o artista não condescendeu consigo próprio, não maquiou nem alterou sua própria realidade, numa busca admirável pela verdade pessoal. Em um dos seus últimos retratos, vê-se o olhar abatido de um Rembrandt idoso, resignado com a própria sorte, encarando com tristeza serena a própria pobreza e a solidão.

O claro-escuro é uma invenção estética do pintor italiano Caravaggio (1571-1610). Não que antes não se utilizasse na pintura os contrastes de luminosidade, mas foi o pintor italiano quem mostrou as possibilidades expressivas e dramáticas da acentuação de tal técnica. Sua influência dominou a Itália e grande parte da Europa Barroca, tendo sito denominados caravaggisti aqueles artistas que trabalharam sob a influência indireta de Caravaggio.

Na sua primeira fase, o claro-escuro de Rembrandt é um recurso compositivo. Simultaneamente à disposição planimétrica das personagens sobre a superfície da tela, Rembrandt cria uma segunda ordem compositiva, evidenciada nos diferentes índices de luminosidade. Dadas as suas diferenças de claridade, as figuras agitam-se longitudinalmente na pintura, avançando e recuando em direção ao observador.

Na sua segunda fase, ao contrário, o claro-escuro converte-se, antes de mais nada, em uma metáfora da espiritualidade. Com a simultânea redução na quantidade dos personagens da composição, as trevas ampliam-se e possuem mais o espaço na pintura. Em quadros como Hendrickje banhando-se em um rio, o corpo luminoso de sua terceira esposa emerge delicadamente de um fundo quase indiscernível pela obscuridade. Cuidadosamente, a mulher suspende a espessa camisola branca, e caminha produzindo uma dourada marola sobre a água.

A técnica de sua primeira fase é minuciosa. Os detalhes dos objetos e das figuras são construídos em um desenho preciso de grande primor no acabamento.

Já na segunda fase, Rembrandt empregou uma técnica menos precisa, baseada no uso de grandes manchas de tinta espessa. Segundo alguns historiadores, o artista chegava a pedir que as pessoas não observassem seus quadros de muito perto, com o pretexto de que o cheiro da tinta as incomodasse. O pigmento era aplicado com uma espátula em grossas camadas, como que "rebocados com uma colher de pedreiro", segundo o pintor e biógrafo Arnold Houbraken (1660-1719). O impaste, como é chamado, chega a ter cerca de 5 milímetros de espessura.

É considerado, por alguns, como um dos maiores pintores de todos os tempos. Suas contribuições à arte surgiram em um período denominado pelos historiadores de "Século de Ouro dos Países Baixos", na qual a influência política, a ciência, o comércio e a cultura holandesa — particularmente a pintura — atingiram seu ápice.

Bibliografia Indicada

- O Projeto de Rembrandt
Autor: Alpers, Svetlana
Editora: Companhia das Letras
Temas principais: História da Arte / Pintura

- Rembrandt
Autor: Genet, Jean
Editora: José Olympio
Temas principais: Artes Plásticas / Biografia / História da Arte / Pintura

- Rembrandt
Autor: Girassol Edições
Editora: Girassol
Temas principais: Artes Plásticas / Biografia / História da Arte / Pintura

- Rembrandt
Autor: Bockemuhl, Michael
Editora: Taschen/Paisagem
Temas principais: Artes Plásticas / História da Arte / Pintura

Fontes:http://www.auladearte.com.br/historia_da_arte/rembrandt.htm#axzz3ggJd1rW6;

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rembrandt.htm; http://mestres.folha.com.br/pintores/17/